Pelis que rockean part. 1

Creo que con el título del post ya saben que hablo de películas que tienen una estrecha relación con el rock! (se va a dividir en 3 post) el orden simula mi preferencia.

Y sólo puedo agregar que el cine a sido muchas veces mi "escuela del rock"!

(espero comentarios)

Dream of life (2008)

Film inquietante como la vida de la mismísima Patti Smith. Para los que no conocen mucho de esta poetiza, performer (cantante) y pintora, les recomiendo dedicar un par de horas a este documental filmado por Steven Sebrings, que ganó un sin fin de premios y que recopila diferentes "escenas" de la vida cotidiana de Patti S.: En su cuarto rodeada de sus recuerdos más preciados, pintando, reflexionando (esto es constante en ella y eso me encanta), recitando en diversos escenarios, en recitales, con amigos, con su familia, etc, etc, etc.

Filmado en blanco y negro y en color, y con la voz de ella que penetra el imaginario del espectador y te transporta a esa historia particular.

Una artista como muy pocas... para repensar qué son los artistas de hoy en día, de generaciones más jóvenes.

The Wall (1982)

Dirigida por Alan Parker, basada en el disco increible de Pink Floyd que se titula de la misma forma que esta ópera rock.

Narra las vivencias de Roger Waters: su infancia durante la II Guerra Mundial, su juventud y adultez como líder e ícono de rock y luego como la deformación misma de todo aquello, buscando la adoración de miles de personas y aislándose por completo en su supremacía bajo una figura autoritaria como la de Hittler.

Todo esto complementado por las animaciones más geniales que ha visto el cine y la música a cargo de Gerald Scarfe.

El conjunto música-película-animaciones hacen de The Wall el mejor film de este género.

Velvet Goldmine (1998)

Este film me encantooooooo! Todo el brillo y la decadencia del rock contados a través de la memoria de un fan! Y encima con unos actores, director, df, etc... que hicieron de esta película un viaje en el tiempo y en la música. Inspirada en la etapa en la que David Bowie e Iggy Pop tocaban juntos.. y algo más... cuenta con la presencia de grandes bandas glam de los últimos años, haciendo unos covers buenísimos!!

Con las actuaciones de Christian Bale, Ewan McGregar, el señor carente de toda masculinidad: Jonathan Rhys Meyers.. (perdón es que no entiendo por qué le dan papeles de hombre heterosexual!!! no es el caso de esta película). Dirigida por el capo de Todd Haynes (también director de "I'm not there" ya comentada anteriormente y que también entraría en el post de hoy).

Alta fidelidad (2000)

Otra para melómanos y románticos empedernidos... y sí es que los hombres también tienen su lado sensible y cómo sufren!

John Cusak (ícono del joven romántico por excelencia en los 80) encarna a Rob Gordon con el corazón muy muy muy roto y decide"organizar" o mejor dicho hacer un repaso de su historial amoroso a través de la música, y una gran cantidad de "Top Five" de canciones, rupturas, etc. Excelente película y banda sonora!

Dazed and confused (1993)

Ya la postee hace un par de años en el post de "Cine adolescente", dirigida por Richard Link Later quien muy seguramente es un amante del Rock e hizo "Escuela del Rock" (2003) y que definitivamente entra en este listado también!!!

It's Rock and Roooooolll baby!

No dejen de escuchar la banda sonora Dazed and Confused!

(continuará....)

El mejor Beethoven

Parecerá extraño pero escuchando la 9na Sinfonía de Beethoven (dir. Baremboim) se me vienen a la cabeza hermosas escenas de "Amada inmortal" ("Immortal beloved", dir. Bernard Rose, año: 1994). Y quién mejor que Gary Oldman para interpretar al más creíble, pasional, visceral y enamorado Ludwig Van Beethoven!

La película logra construir personajes ricos en personalidad e historia, con la complementación de la música que logra encadenar cada elemento del artificio.

Sin duda el sumun total para mí es la escena en que se se interpreta por primera vez la 9na Sinfonía y siento que me fundo con el universo como lo hace el niño (Beethoven) ante la exaltación de la naturaleza y su salvación en ella.

(abajo la escena mencionada)

Para aquellos interesados en la fotografía su director de fotografía fue Peter Suschitzky quien dió vida a la imagen movimiento de: "The Rocky horror picture show", "El imperio contraataca", "Naked lunch", "Crash", "Una historia violenta", entre otras.

Según Wikipedia: "La carta está fechada, simplemente, el lunes 6 de julio, sin que figure el año, el lugar ni la destinataria. Esto ha dado lugar a una abundante especulación sobre quién sería la Amada inmortal. En 1795, 1801, 1807, 1812 y 1818 el seis de julio fue lunes, durante la época de la residencia de Beethoven en Viena. Generalmente se acepta que habría sido escrita en 1812, puesto que el compositor se encontraba en el balneario de Teplitz (donde se encontró con Goethe)."

Películas al WOK!

Como no tengo mucho tiempo de escribir detalladamente decidí hacer este post para reocomendar unas cuantas películas:

Acá va la receta del salteado de películas al wok!

"C.R.A.Z.Y." (2005, Dir.: Jean-Marc Vallé) o también conocida como "Mis gloriosos hermanos" fue una de esas tantas joyitas que se ven en los festivales de cine.

El film cuenta la curiosa vida de Zac, el cuarto hijo de una familia de Canadienses en los años 60/70 y así a lo largo de las décadas. Que mal o bien la familia es un lazo único en su especie; con una madre que puede "presentir" si Zac está mal, con toda la Fé que ella le tiene por haberlo parido un 25 de Diciembre, un padre al que el niño admira por completo y trata de imitarlo hasta que la crisis adolescente y su despertar sexual-homosexual generan una larga brecha entre ambos para luego cerrar el círculo conciliadoramente.

Además están sus hermanos.... tan diferentes entre sí, con peleas y conciliaciones contantes.

Muchos la catalogan como una película del cine "Gay" pero es más que eso. Es una crónica sobre despertar sexual y la aceptación de la orientación sexual y que tan bien logra recrear está película desde la dirección de arte, el vestuario y ni que hablar de la banda sonora.

Como bien decía antes los lazos familiares están muy bien retratados a partir de grandes dosis de ironía, humor, drama y mucha fantasía! Comienza como quien diría " a lo Amelí" pero este background familiar es necesario para el resto del film y así comprender la escencia mística en la vida de Zac.

Escena de C.R.A.Z.Y.

"Running with scissors" o "Recortes de mi vida" (2006)

Cuenta la historia real de Augusten Burroughs, quien escribió sus memorias de su infancia y crianza bajo el seno de una familia adoptiva comandada por el padre / terapista Dr. Finch.

Su madre depresiva y su padre alcohólico no pueden hacerse cargo de él y lo dejan bajo la tutela de esta familia que parece sacada de Los locos Adam's!

Es una comedia dramática muy interesante sobre los experimentos psicológicos de los 70's y sobre el despertar sexual y la homosexualidad.

Al final de la película aparece el verdadero Augusten de adulto, autor del libro original de su autobiografía en la cual se adapta el film.

"Catfish" (2010)

El film trata principalmente de las redes sociales como facebook, de la identidad, de la necesidad de escapar a la realidad y realizar "sus sueños", del amor real, del amor virtual.

Lo novedoso y original del film es que utiliza programas digitales y de internet como herramientas narrativas: google maps, facebook, my space, etc. Utilizando muy pocos recursos, pocos actores aunque figuren muchísimos "personajes" esta ventana al documental inquieta por completo al espectador!

Como muchos misterios se develan a lo largo de la trama es mejor verla pero acá figura el comienzo de la trama a modo de sinopsis.

Ariel Schulman (uno de los dos directores de la película) decide hacer un documental sobre su hermano Nev, quien es fotógrafo de Danza, y quien comienza una extraña realción virtual vía facebook con una pintora de 8 años llamada Abby, quien le envía por correo cuadros sobre sus fotografías. De esta forma Nev "conoce" a la familia de Abby por facebook y por teléfono, al punto de entablar una "relación amorosa" virtual con la hermana mayor de la nena, quien es bailarina, canta, toca la guitarra y por sobre todas las cosas es hermosa.

Nev quiere conocer a la familia y en especial a la hermana mayor de la cual se siente enamorado y por lo tanto deciden emprender un viaje desde New York hasta Michigan con el equipo de filmación.

Mientras tanto las sospechas de qué es real y qué es montado por esta familia se agrandan como una bola de nieve con el correr del film.

Tan de Repente

Tan de repente (2002, Argentina) dirigida por Diego Lerman, es un claro exponente de lo que fue un respiro renovado en el cine nacional.

Filmada en blanco y negro en plena crisis económica, "chau 1 a 1-hola turistas", Lerman adaptó "La prueba", obra literaria de Cesar Aira con un presupuesto mínimo y filmado durante los fines de semanas, según me contó hace un par de años Carla Crespo.

Esta contundente historia está protagonizada por Marcia (Tatiana Saphir), una tímida chica "gordita" empleada, y Lenin (Verónica Hassan) y Mao (Carla Crespo), dos lesbianas punks. Las dos últimas "raptan" a Marcia y se la llevan por la fuerza a Rosario. Que más que acceder por la fuerza es seducida por la idea de esta aventura en su vida.

Allí comienza un triángulo amoroso, o no,. Es ambiguo, es abierto. Ese es el concepto que inspira este film para mí "apertura", cierta libertad para contar un relato literario e ir transformándolo para explorar y profundizar en las relaciones femeninas y en el devenir del tiempo. Abierto también para sacar a las tres protagonistas de Buenos Aires y llevarlas a la costa del Paraná.

Digamos que tuve la suerte verla cuando estudiaba cine hace muchos años y fue esperanzador... así de simple.

Dejo el link para ver online

http://www.cinegratis.net/pelicula/tan-de-repente-(2002)/5767

Solo un hombre

Primero que las imágenes (y sonidos) hablen por sí mismas:

"A single man" es el primer film dirigido por el diseñador de modas Tom Ford.

Salvo en "In the mood for love" de Wong Kar-Wai, nunca había visto tanta estética exquisitamente dispuesta al servicio de la maquinaria (industria) cinematográfica.

La dirección de fotografía merece todos los premios habidos y por haber, a cargo de Eduard Grau quien también realizó la fotografía de "Honor de Caballería".

El vestuario, el arte, las actuaciones y el sonido muestran que Tom Ford (director, guionista y productor) tenía muy claro qué tipo de historia quería narrar y qué relato conformar para llegar directamente al corazón del espectador.

Mencionaba a "In the mood for love" (o "Con ánimo de amar") por varias cosas: la música es el marcapasos de un hombre que no puede superar la muerte de su gran amor, ocultando su condición homosexual en los años 60; los modismos de los personajes en su vestir impecable, en sus casas de lujo, en cada uno de sus gestos "justos" acompañados por la cámara que danza a un ritmo aletargado y preciso, y que abruptamente se quiebran, se angustian, sus rasgos y movimientos se funden en la desesperación de la soledad y del amor no consumado.

Porque esta película es sobre el amor, el mejor de la vida, el que fue, el que podría haber sido...

La fotografia de esta escena en Blanco y Negro es tan estética que enmudece. Me remontó a la fotografía de Helmut Newton o de Bill Brandt (con sus desnudos amorfos y en un contrastado blanco y negro).

pegaditos... voladitos

Glue (Argentina, 2006) película dirigida por Alexis Dos Santos (más abajo está el trailer para promocionarla en USA) quien ya tiene otro film realizado en UK "Unmade beds".

Es un film sobre adolescentes en un pueblo perdido la patagonia. Mejor dicho: es un excelente film sobre adolescentes, temática que postee hace un tiempo acá.

Por lo tanto podría pertenecer al post de Cine adolescente 3era Parte, o Revisión BAFICI (aunque no la pude ver en aquella ocasión que se estrenó en el BAFICI).

Glue presenta un muy buen manejo del guión, dirección de actores, actuaciones en sí, fotografía y banda sonora, además de locaciones...

Lucas es interpretado por Nahuel Pérez Biscayart (más sobre sus trabajos), un adolescente "punk" independiente que se arriesga en todo momento a "vivir con actitud" como bien escribe en una letra para su banda. Pero sobre todas estas cosas él y sus amigos están completamente ansiosos por explorar el sexo... incluso Andrea (una extraña y filosófica chica interpretada por Inés Efrón).

No quiero develar mucho de la trama ya que es una película para descubrir por uno mismo, de un ritmo ágil, con momentos increíbles a nivel actoral como en las películas de Cassavettes, donde la energía desborda y la intimidad es palpable... (no perderse la pelea de mujeres).

La fotografía está a cargo de Natasha Braier, la misma DF que hizo XXY, una profesional única en nuestro cine, se anima a experimentar con densidades, colores pesados, texturas, muchos fuera de focos, mucho cine de Harmony Korine.

Dejo el link de una nota sobre ella en BBC UK http://www.bbc.co.uk/filmnetwork/features/case_braier en esta entrevista dice que una de sus influencias es el cameraman de la película Gummo de Korine... y yo digo: "I Knew it!!!" jajaja

Revisión de Bafici III parte

Reflections Taiwan, 2005. Dirigida por Yao Hung-i

Lamentablemente no recuerdo mucho de esta peli, si recuerdo cuánto me gustaron la fotografía y los personajes.

Una pareja de chicas, muy cool, una de ellas fotógrafa y si mal no recuerdo tocaba en una banda.

Reflejaba esa actitud solitaria y melancólica de la gente joven del S. XXI.

Lamentablemente no consigo el trailer en internet y menos aún la película!!

Pueden encontrar una sinopsis e interpretación acá.

Voy a citar un fragmento de entrevista al director de la web Casa Asia

"Entrevista al director de "Reflections": un filme sobre la difícil aceptación de la realidad en una sociedad fuertemente marcada por la presión sobre las personas presentado en la edición 2006 del Festival de Cine Asiático de Barcelona, BAFF.

Para su estreno en Europa, su filme ha sido traducido como "Reflections", cuando el título original hace referencia a Alicia en el país de las Maravillas, el cuento de Lewis Carroll...

La verdad es que el título original del filme debía ser "Reflections", pero a Hou Hsiao-hsien, productor de la película, no le gustaba este título para su estreno en Taiwán, por lo que decidimos cambiarlo por otro cuya traducción más aproximada sería "El espejo de Alicia". Un espejo que pretende ser una insinuación sobre el hecho de que las personas somos incapaces de ver la verdad directamente, o que no queremos enfrentarnos a ella. "Reflections" se basa en el efecto reflejo. Presenta un hecho y cómo la gente reacciona a este hecho. " (... continúa: clickear en el nombre de la web)

Pascuas en Familia

La Sagrada Familia. Dir. Sebastián Lelio. País. Chile

Este film se estrena en Chile polémicamente en su primera vez durante la Semana Santa del año 2006. Con esto acapara notoriedad inmediata entre los estrenos nacionales. Luego la tenemos en el Bafici, junto a su director Sebastián Lelio, y las actrices Pati López y Coca Guazzini .

El film nos acerca a una familia que se reune en costumbre para pasar los tres días de Pascua o Semana Santa en una casona ubicada en la costa. En esta familia hay un padre y una madre, además un hijo que trae consigo a su pareja que durante el film funcionará como cuarto elemento de esta santísima trinidad.

Luego que la madre se tiene que marchar excusándose de un asunto importante la trama se libera en crescendo, explorando diálogos de opuestos, temas profundos, chistes, compartiendo intimamente más con el entorno, aparecen incluso nuevos personajes. Al mismo tiempo se va plantando de a poco una semilla de imperfección, de tensión y rareza a lo largo del film.

Junto al drama corre la cámara, corre digital y en mano con un diafragma en automático y un foco cambiante...La luz es tratada al natural y no se complica mucho entre zonas que sin mareos nos traen intimidad y acceso.

Toda esta puesta en escena da la sensación de un dramaturgo encontrando la libertad dentro de lo técnico que logra ser el cine.

Más allá de los detalles, el resultado del film es una obra pública, en el sentido de disfrutarse con audiencia, no por esto menos válida. Pero explora para todos nosotros una festividad que de sagrada y costumbrista...le queda muy poco.

Posteado por: Dead Patito

Revisión de Bafici II

Hoy es el turno de "Bright Future" (2003) de Kiyoshi Kurosawa,

no confundir con el mítico Akira Kurosawa.

Ayer leía que realizó unas 30 películas desde

1975!!!

(Es bastante) Cuestión es que en el año 2004 se proyectaron 4 de sus películas en el BAFICI (el primero que fuí... o el segundo???).

Una de ellas era un "back stage" de la realización de la que comento hoy.

En fin, logré ver nuevamente Bright Future gracias a la magia de internet (parezco una jubilada).

Creo que una de las cosas que más me siguen gustadon son:

1- Las medusas luminosas!!

2- Es japonesa.

3- El personaje es una especie de vagabundo con estilo.

El tema de la historia es el amor paternal, la búsqueda de la motivación y el accionar.

Lo del amor paternal se me ocurrió ya en la segunda mitad del film, cuando el padre un amigo de Nimura, lo "adopta", de manera muy genuina le moviliza a actuar de forma paternal, quizás para tapar el agujero y la culpa de haberse distanciado tantos años de su propio hijo Mamoru.

Al mismo tiempo el personaje de Nimura se hace cargo del delicado cuidado de la medusa de su gran amigo.

Pero Nimura es una persona casi inmóvil, pero cuando reacciona lo hace de manera abrupta y torpe, trabaja junto a Mamoru, de un día para otro éste último mata a su jefe y toda su familia (es una sorpresa total para el espectador). Ahora bien lo genial del trabajo de Kurosawa es haber hecho que descubramos el homicidio por medio de los ojos de Nimura quien también va a matar al jefe a palazos y se encuentra con los cadáveres desperdigados por la casa y queda tan sorprendido como nosotros.

Y justamente es la sorpresa de los actos de Mamoru que cierran perfectamente con un código creado para su inmaduro amigo: (por medio de señas de manos) "Espera" - "Adelante".

Mamoru espera pacientemente, es muy calmo, muy centrado, independiente. Un día avanza como una topadora y arrasa con una familia entera.

Nimura sigue el consejo de su gran amigo, y actúa

de manera irracional irrumpiendo en unas

oficinas con un grupo de adolescentes vestidos todos iguales y con remeras del Che, además de llevar unos walkietalkies con vinchas que se iluminan intermitentemente... muy bizarro les aseguro!!!

(Pongo la imagen porque no se la pueden perder, el de verde oscuro es Nimura).

Muchas de las cosas que comento se ven en el trailer, asi que no dejen de verlo.

Por último los datos que seguramente interesan: el ritmo de la película es fluido pero no lento. La imagen es casi desaturada llegando un poco a la estética de "Stranger than paradise" (ya comentada en el blog). Las actuaciones me parecieron muy buenas y la estética acompaña ese "futurismo - decadente" pero brillante con el que Nimura sueña y "viste".

Otros films a comentarse próximamente con motivo del BAFICI:

- "Takeshi´s"

- "Reflections"

- "To kako" ( griega de zombie)

- "Paprika"

BAFICI revisión de años anteriores parte 1

Tenemos un año más de BAFICI y yo cada vez la pego menos con las películas que elijo ver. A esto se suma que ya no tengo el tiempo y la energía para ver 15 como hacía los primeros años (no entiendo cómo hacía).

Como los últimos dos años fueron un poco decepcionantes en cuanto a las películas que elegí decidí postear sobre los films que me gustaron mucho a lo largo de estos últimos 6 años. Para esta tarea me va a ayudar mi gran amiga Diana quien va a comentar las que a ella le han gustado (muchas las vimos juntas). Tratar de recordar los nombres, encontrar los programas viejos e intentar bajarlas de internet o ver fragmentos en youtube no es nada fácil, por lo cual muchas veces se harán referencias a los films según nuestros recuerdos... como si nunca hubiese existido el vhs o dvd o el cable para reveer películas.

Aprovecho de paso para anunciar que Diana comenzará a participar de este blog para poder tener una actualización más constante y por qué no enriquecedora. Nuestros gustos son muy similares no sólo en cuanto a películas refiere. Compañera de ruta de muchas aventuras, entrañable amiga. No dejen de ver su blog.

Damos inicio a la sección "el Bafici solía ser mejor" selección por Nadia y Diana.

"Face addict" (Dir. Edo Bertoglio, 2005)

Documental sobre el fotógrafo Suizo Edo Bertoglio rememorando su pasado en la escena under de New York en los 80. Tras largos años de adicciones toma valor para revisar su archivo fotográfico y regresar a New York para contar la historia de su generación en una ciudad que explotaba de creatividad y arte. (Haciendo click en el título pueden leer una sinopsis que hizo algún espectador, es muy interesante, aunque en inglés).

A lo largo del documental se puede sentir esa salvaje sensación de estar haciendo algo auténticamente personal, sus fotografías son excelentes (trabajó para la revista de Andy Warhol "Interview").

Impacta comprender que Edo B. es un sobreviviente realmente, muchas de las personas que formaban su círculo social murieron de sobredosis o SIDA, y uno puede ver los retratos que él realizó y sentir quizás su nostalgia, su soledad.

Más allá de estos sentimientos que flotaban en el aire a lo largo de su proyección en el BAFICI del año 2006 era emocionante ver una New York repleta de grandes artistas (músicos, grafiteros, pintores, cineastas, etc:), la inquietud de esa época me traspasó.

Dejo una entrevista ACÁ.

SI ALGUIEN SABE DE DONDE BAJAR LA PELÍCULA O VERLA ONLINE POR FAVOR AVISAR.

azzurro come il cielo

"Bleu" de Krzysztof Kieslowski (1993) conforma la primer película de la trilogía "Trois couleurs: Bleu, Blanc, Rouge" ("Tres colores: Azul, Blanco y Rojo") como bien es el orden de los colores en la bandera francesa.

Es a partir de un accidente en auto que la vida de Julie se derrumba, queda viuda y su pequeña hija tampoco logra sobrevivir. Su primer deseo es que la parca también se la lleve. Pero a partir de la "voluntad de vivir" comienzan a relucir pequeños "misterios" en torno a su célebre marido y compositor francés.

Gracias al punto de vista de Julie (Juliette Binoche) podemos ver y oir a través de alguien que esconde una gran sencibilidad para percibir y transformar el mundo que la rodea, nuevos personajes entran en su vida "azul", un nuevo amor (o quizás viejo amor).

El sonido (no sólo la música) son un punto de anclaje muy fuerte desde los primeros segundos del film lo primero que hace el espectador es oir un zumbido raro, luego aparece la imagen del auto viajando por un túnel; el accidente se escucha a lo lejos, no se vé. Se podría decir que es el oído el privilegiado. Julie tiene un ido privilegiado..

El momento de climax es acentuado por un fragmento de sinfonía inconclusa de su marido, y por la fotografía que en esos momento se exalta, estos momentos nos van a llevar más adentro de Julie... y al final el misterio se develará.

La música, en este caso el tema del a película, es de Zbigniew Preisner, quien hizo la música de toda la trilogía y de "La doble vida de Verónica" (que ya se comentó en este blog).

La fotografía prodigiosa está a cargo de Slawomir Idziak, también DF de "La doble...", hace un uso magistral del color, sabe moverse en zonas monocromáticas, por ejemplo cuando Julie despierta del accidente y se mete debajo de la sábana con una profundidad de campo tan mínima que las zonas fuera de foco llegan a una cualidad pictóricas.

Desde ya que no puedo dejar de mencionar lo curioso de esta trilogía, o mejor dicho el chiste: las tres historias se cruzan en uno o dos puntos, y cada una dentro de su género, sea el drama, la comedia negra o el drama romántico.

Hasta la próxima!

El colorido viaje de Morvern

Probablemente algunos han tenido la suerte de ver esta película a través de I-Sat. El "algunos" es generoso para no decir muy escasas personas!

La primera vez que la ví quedé impactada con este personaje tan ajeno a este mundo que por suerte la segunda vez que la dieron en el cable la grabé en un VHS.

"Morvern Callar" (2002, clickear para ver trailer) o como se la conoció acá "El viaje de Morvern" es un claro ejemplo del tipo de personajes que enriquecen mi imaginación como si estuviese comiendo el más delicioso muffing de chocolate.

Su directora Lynne Ramsay logró exponer un personaje (Morvern) que resulta brutal, frío y ventajista ante el suicidio de su novio pero que muestra su lado humano de manera tan cálida y hasta generosa que sorprende y demuestra la habilidad de Ramsay para moverse en mundos donde la sorpresa y lo absurdo están a la vuelta de la esquina.

Otro elemento que me impresionó de esta película es la fotografía a cargo de Alwin H. Kuchler que hizo además Código 46 (con la misma actriz Samantha Morton). Esta película es perfecta para ver cómo la fotografía y la dirección de arte pueden nutrir y acompañar a la dirección para narrar la historia de Morvern, jugando con los cálidos y fríos, con la oscuridad que rodea pequeños puntos de luz (por ejemplo en la casa con las luces de navidad que titilan o en la escena de la fiesta cuando ella se para al borde del río y un bote la alumbra ). Como si el mundo se moviese constantemente en contrastes que coexisten, algo así como la viva imagen en movimiento de la ambigüedad renegada por la sociedad occidental.

Un poco sobre la trama de la película:

Morvern Callar es una joven escocesa que trabaja en un supermercado, en las vísperas de Navidad encuentra a su novio muerto, dejando una carta de despedida y una novela inédita para que envíe a un editor y algo de plata en el cajero. En medio de ese estado de shock Morven disecciona a su novio en la bañera escuchando un cassette en su walkman, con anteojos de sol iluminada por la fría luz del baño pero rodeada de lucesitas de navidad que titilan en el resto de la casa. Y para sorpresa del espectador reemplaza el nombre de su novio pro el de ella en la autoría de la novela y la envía. Luego festeja navidad con su mejor amiga en una fiesta tomando ácido, con fogata y todo lo demás, de hecho es una de las mejores escenas (es de esas escenas que te dan ganas de irte de fiesta alocada hasta el amanecer).

Me gustaría contar más pero prefiero que la vean, es muy buena, cada escena está perfectamente construida y el personaje de Morven genera una contradicción extraña en nosotros, está loca, seguro, pero a la vez el verosímil en esta historia está tan bien construido que todo se mueve "normalmente" dentro de la extrañesa del mundo de Morvern. Como dice la canción del juego: "cada quien atiende su juego".

Dejo una de las mejores partes del film, por desgracia en youtube no hay muchas opciones y esta se hace un poco larga.

Hasta pronto!

pulpa de Tarantino

Finalmente le llegó el turno a una de las películas que conforman mi Top 5.

Ladies and Gentelmen: "Pulp Fiction"

No sé muy bien por dónde empezar ya que hay tantas cosas que me vuelven loca de esta película. Pensándolo bien...

porque el universo Pulp Fiction me atrapa por completo,

porque tiene los mejores diálogos,

porque la vi más de 20 veces (y siempre tengo ganas de verla)

porque tiene la mejor banda de sonido

porque me encanta el montaje

porque adoro a Mia Wallace

porque Vincent Vegas es un nombre del carajo

porque tiene las frases más citadas del cine (y las que suenan más cool)

porque muestra un estilo de vida particular al detalle

porque sueño con ir a ese restaurant con dobles de estrellas de los años 50

porque cada vez que como una hamburguesa digo: "mm..This is a tasty burger"

porque Tarantino es El mejor en las películas de gangsters

porque es un clásico desde el día que vio la luz

porque soy una fanática de Pulp Fiction como millones más...

Ah! Recibo donaciones de objetos de Pulp Fiction, a saber: posters, postal, remera, muñequitos, tazas, etc...

De bonus track dejo uno de los diálogos que más me gustan: lo pongo en inglés porque es perfecto así.

Brett: [to Jules] Look, I'm sorry, I didn't get your name. I got yours, uh, Vincent, right? But I-I didn't get yours.

Jules: My name is Pitt, and your ass ain't talking your way outta this shit.

Brett: [rising] No, no, no. I just want you to know how – [Jules motions him to sit down] I just want you to know how sorry we are that that things got so fucked up with us and Mr. Wallace. It, we-we got into this thing with the best intentions. I never inte–

[Jules shoots Flock-of-Seagulls, Brett recoils in horror]

Jules: Oh, I'm sorry. Did I break your concentration? I didn't mean to do that. Please, continue. You were sayin' something about "best intentions"? [silence] What's the matter? Oh, y-you were finished? Oh, well allow me to retort!

[Jules looks very upset]

Jules: What does Marsellus Wallace look like?

Brett: What?

Jules: [overturns the small table in the room] What country are you from?

Brett: What?

Jules: "What" ain't no country I ever heard of! They speak English in "What"?!

Brett: What?

Jules: English, motherfucker! Do you speak it?!

Brett: Yes!

Jules: Then you know what I'm saying. Describe what Marsellus Wallace looks like!

Brett: What?

Jules: [points gun at Brett] Say "what" again. Say "what" again! I dare you! I double-dare you, motherfucker! Say "what" one more goddamn time!

Brett: He-he's black.

Jules: Go on!

Brett: He's bald.

Jules: Does he look like a bitch?

Brett: What?!

Jules: [shoots Brett in the shoulder, Brett screams] Does he look … like … a bitch?!

Brett: [in pain] No-o!

Jules: Then why'd you try to fuck him like a bitch, Brett?

Por la liberación (Parte I)

Sigo comentando las últimas películas que vi (en los últimos meses) y de paso les pongo temática...



Revolutionary Road (Solo un sueño)

El director de Belleza Americana, Sam Mendez, una vez más nos muestra las decadencias y desgastes de la sociedad norteamericana (de USA) con un sólido guión e interpretaciones perfectas, en especial Kate Winslet interpretando impecablemente a April (Comentario aparte: veanla de psicótica en "Criaturas celestiales" de Peter Jackson).
April y Frank son una acomodada pareja de los años 50 que atraviesan una crisis "conyugal" bastante profunda. De pronto ella tiene una idea que podría rescatarlos de la planicie mental y sentimental de la clase media norteamericana: ir a vivir a París, lo cual implicaría para ella trabajar y para él dedicarse a lo que realmente le guste. Ella lo mantendría por un tiempo claro, imaginense qué terrible para esos tiempos!
Esta idea de alguna manera le da un golpe de aire fresco a la relación y los distancia aún más de sus vecinos y amigos.
En este drama se llega a ver cuán frágiles somos los seres humanos, cómo una sóla esperanza puede dar sentido a la vida y si esa esperanza se cae arrastra todo lo demás. Cómo el miedo puede llegar a ser vencido para sentirse libres de verdad en una sociedad que es pura falsedad (personificada e el personaje de Kathy Bates, que parece ser esquisofrénica de lo falsa).
Justamente esta joven pareja es "conocida" y amada por ser inteligentes, liberales y "revolucionarios", como la calle en la que viven "Revolutionary Road".


La edad de la ignorancia de Denys Arcand (2007) es otra película sobre la decadencia del sistema capitalista, sobre el sometimiento, el trabajo, la infelicidad, la familia, etc, en este caso situados en Canadá.
Con mucho humor y surrealismo, somos espectadores de la vida de Jean-Marc Leblanc, un pobre tipo al que le rebalsa el vaso, en el trabajo y en su casa, y que no deja de fantasear con mujeres hermosas y amables.
Es empleado municipal, está en sus 50 casi, lo cual implica un replanteo de su vida. De esta manera el film va mostrando el progreso completo desde su rutina diaria hasta que manda todo a la mi...

Su director, Denys Arcand, dirigió otras dos películas que conforman la trilogía: La decadencia del imperio Americano (sobre parejas e infidelidad) y Las invasiones Bárbaras (todavía no la vi).


"Che, el argentino" de Steven Soderbergh

Qué raro que me suena ese título, porque creo que más que Argentino era un Latinoamericano. Menciono esta película porque este post es sobre la liberación en una sociedad capitalista e individualista, y porque además con ésto se da la visión de los 60 (ya dimos un paseo por los 50 y fines del siglo XX).
Es importante preguntarse cómo hubiera resultado este film sino hubiese contado con la impresionante actuación de Venicio del Toro. Por que más allá de lo bien narrada, que está, Venicio ES el Che en cada cuadro del film y ese nivel de realismo es muy importante para el espectador (y para los que realizaron el film supongo que también), sentir la presencia viva de un personaje tan necesario para la historia.
Otro aspecto que me regocijó la retina fue la fotografía en las escenas en Blanco y negro, poder ver el grano de la película. Todavía no encontré información sobre el formato y soporte que se usaron.
Según leí en varias revistas del rubro, el propio Soderbergh hizo la foto, como para ahorrar tiempo en rodaje vio? ja! no cualquiera!!!


Para la próxima LA LIBERTAD MISMA con un post sobre Into de Wild (Hacia rutas salvajes)

Últimas que vi muy buenas (parte I )

"La Ola"
(Die Welle, 2008) Dirigida por Dennis Gansel, está basada en un experimento sociológico que realizó un profesor de historia de una escuela secundaria de EEUU, Rod Jones, que llevó a cabo durante una semana en 1967.
El demostró cómo es posible que se repita en la historia un potente régimen autoritario, como el Nazi, luego de tanto años. Y lo más sorprendente, la respuesta positiva que tienen los alumnos, casi unánime.
Las actuaciones y la dirección son muy buenas. Te deja pensando... muchísimo, la conclusión llega a ser aterradora .
Lo que más llama la atención es la enseñanza positiva en los chicos, la conclusión que ellos hacen como seres humanos, más allá del fanatismo por La Ola. Por ejemplo ser un grupo unido, donde no importan la clase social o el movimiento urbano al que pertenecen.




"¿Qué pasó ayer?" (Hangover, 2008) Hilarante comedia dirigida por Todd Phillips, quien está haciendo la segunda parte (nunca se sabe si eso es algo bueno).
Brevísima sinopsis: 3 amigos y un cuñado se van de despedida de solteros a Las Vegas (La ciudad del pecado), lástima que al día siguiente de haber llegado no recuerdan absolutamente nada de lo que pasó en la despedida. Y no sólo eso: aparecen en su cuarto de hotel: un bebé, un tigre, una gallina, y... desaparece el futuro Novio.
Es una película de comedia Hollywoodense, pero gracias a dios no es tan tonta como suelen ser. El gancho está en mantener al espectador en suspenso anclándose en el punto de vista de los amigos que buscan desesperadamente a su amigo.

Lo mejor: Alan, el cuñado del novio, el barbudo interpretado por Zach Galifianakis (Me costó escribir este apellido!)
Es el imprescindible ser despreciable y asqueroso de las comedias!

Lo mejor II: La parodia a RainMan

Lo mejor III: Las fotos del final de la película!!!!!!!
bonus track: foto

I'm not her...here...there

"Es como si tuvieras ayer, hoy y mañana en la misma habitación..."

Esta frase es la definición perfecta del trabajo temporal que hay en la historia de "I'm not there" (2007), dicha por Billy, el personaje interpretado por Richard Gere.


Es tan complicado contar diferentes historias (aunque todas tienen en común la inspiración en Bob Dylan), poder entrecruzarlas a su debido tiempo, como una especie de maceración para llegar al gran final. Queda claro que Todd Haynes el director se mueve como pez en el agua con un personaje tan mítico y místico como Bob Dylan, quien supo interpretar diferentes personajes a lo largo de su vida...

En total son 6 Bob Dylan, que viven en diferentes tiempos, con diferentes formas de ver la vida, sin embargo todos tienen una grandeza, una aura suprema.

Retomando el trabajo temporal del relato voy a citar un ejemplo de esa "intertextualidad" ese pasado-presente-futuro no lineales.
Billy, refugiado en un pueblo, fines de 1800, donde nadie lo conoce, sabe que el mundo externo explota, observa el paisaje y muy a lo lejos se oyen tiros, es la guerra de Vietnam que se refleja en el televisor de Claire, personaje interpretado pro Charlotte Gainsbourg en los '70.

El film está lleno de éstas superposiciones temporales, asi como la historia del Rock y del folk están llena de Dylans distintos.

En todo el episodio en el que Cate Blanchet interpreta a Jude ("Judas") es claro el guiño, el homenaje (quizás la cita?) a "8 1/2" de Fellini, desde la logradísima fotografía en Blanco y Negro, los travelling, la escenografía, el vestuario y los personajes extraños que rodean a Jude, el sueño/realidad en una caravana de autos, Jude volando con un pie atado a una soga desde la tierra.
Que satisfacción ver semejante homenaje a una de mis películas favoritas!

Vuelvo a recalcar el impresionante trabajo del director de fotografía Edward Lachman, no sólo en este episodio, también en el que protagoniza Rechard Gere. Esos travellings lentos, que se conjugan con el paisaje de otros tiempos, con personajes fantásticos, dignos de una feria de atracciones de las que siempre vemos en los films norteamericanos.
Hay nostalgia de otros tiempos en esta obra de Todd Haynes, en la música de Bob Dylan, en los personajes del film (no en todos claro).

Cada uno de los episodios /Dylans están impecables, desde la dirección, la foto, el arte, las actuaciones ni hablar!
Dejo el link para una de partes más dramáticas aca!!
Arriba donde dice "81/2" hay un link a una parte de esta pelicula, para tener como referencia.